De todos os mais de 80 filmes vencedores do Oscar principal, esse é
um dos mais fortes e inesquecíveis. Uma obra-prima, considerada por
muitos como um dos dez melhores filmes de guerra da história e o melhor
filme anti-guerra de todos os tempos. Também foi o primeiro grande filme a ser premiado pela Academia. O ponto de partida já é por si só
bastante curioso: tudo é visto através da ótica de soldados alemães.
Durante a Primeira Guerra Mundial, na Alemanha, sete alunos em um
colégio se deixam levar por discursos patrióticos de um velho professor e
se alistam pra lutarem na guerra e assim servirem a seu país. Em campo
de batalha eles descobrem tardiamente que tudo foi um grande
engano, passando pelos maiores temores, vivendo situações
aterrorizantes, convivendo com o inimigo à espreita, fome, doenças,
mortes e a sensação de que tudo poderia ter sido diferente se eles não
tivessem se deixados enganar pelas palavras nacionalistas daquele
professor. Descobrem que a prática é diferente da teoria, e percebem
que, com todo aquele horror, alguns sentimentos podem se transformar em
desespero, raiva e até individualismo, como um dos soldados que ao ver o
amigo com as pernas amputadas lhe pede suas botas, sem ao menos pensar
no sofrimento daquele. Dos sete soldados, vemos um a um sendo dizimados,
a guerra não lhes reserva vitória nem esperança de voltarem pra casa,
tudo o que lhes restam é a morte. Como em Nascido para Matar de Stanley
Kubrick, onde soldados já vivem momentos de aflição em pleno
treinamento, aqui, os soldados se veem sob as ordens de um velho
carteiro que se tornou oficial e faz de tudo para humilhá-los e
sobrecarregá-los. Jogados em uma missão, eles vão parar em um pelotão
comandado por um cozinheiro que tenta em vão lhes ensinar as técnicas de
sobrevivência. No primeiro ato de luta, já sabemos que escapar daquilo
tudo é uma tarefa bastante difícil. O diretor Lewis Milestone, vindo do
cinema mudo, demonstra uma técnica invejável, numa época em que o cinema
ainda engatinhava. Milestone utiliza uma fotografia "suja", com traços às
vezes expressionistas pra demonstrar todo aquele horror. Numa cena,
vemos um soldado usando o par de botas que citei mais acima. Esse
soldado logo é morto e depois outro soldado usa aquelas botas, mas em
seguida também não fica vivo pra desfrutar delas. Aí vemos que tudo se
equipara a um pesadelo, onde tudo é incerto, menos a morte. Não só as
seqüências de guerra são mostradas de forma crua e brilhante, mas também
os momentos de descontração e loucura dos soldados. Tudo é tão
verdadeiro que às vezes se confunde com um documentário. Engana-se quem
achar que Sem Novidade no Front por ser um filme de oitenta anos atrás
não contém cenas brutais, pois isso é o que mais vemos aqui. O filme se
concentra principalmente na figura do soldado Paul Bäumer (interpretado
por Lew Ayres, ator que seguiu carreira em Hollywood). Ele não é nem covarde nem metido a corajoso, mas igual a
maioria de tantos milhões de combatentes. Aliás, é esse personagem que
faz esse filme exalar mais veracidade, pois ele sofre, ri, reflete e
anseia; ele simplesmente nos mostra como um ser humano pode mudar quando
se encontra em uma situação de desespero e dor. Numa cena, Paul fere um
inimigo em uma vala e ali ficam apenas eles dois; aos poucos ele começa
a sentir remorso pelo que fez e tenta salvar a vida do oponente. Ao ver
que aquele homem morreu, Paul promete ajudar sua esposa e filho. Mas
depois o comandante lhe diz que a guerra é assim mesmo: ou mata ou morre
e tudo é esquecido. Ou seja, não há espaço pra piedade em meio a tanto
tormento.
Há muitos momentos marcantes fora os já citados, como a visita de três
soldados em uma vila onde moram três mulheres famintas de fome; o
hospital de freiras onde parece impossível algum paciente sair vivo ou
sem sequelas dali; o reencontro de Paul e sua mãe.
Pouco antes do final, Paul volta ao colégio onde tudo se iniciara. Ali, a
pedido do mesmo professor, ele fala àqueles alunos, mas ao contrário do
que o velho homem aguardava, Paul o surpreende e despeja ali um
discurso corajoso e inesperado, onde entre outras coisas diz: “É sujo e doloroso morrer pelo seu país. Quando vier a morrer por seu país é melhor morrer por nada”!
O final triste nos faz refletir sobre a inutilidade de todas as guerras.
Ótimos filmes como O Franco-Atirador de Michael Cimino e Nascido em 4
de Julho de Oliver Stone são outros exemplos de jovens iludidos por um
patriotismo exacerbado que no fim só leva à autodestruição.
Sem Novidade no Front foi o terceiro filme da história a vencer o Oscar
de melhor filme. Lewis Milestone também venceu como melhor diretor.
Ficou anos proibido na Alemanha nazista e na França, sendo liberado sua
exibição muitos anos depois.
Um filme indiscutivelmente importante tanto para cinéfilos quanto para
aqueles que se interessam por uma história onde a verdade por mais
dolorosa que seja, é jogada na cara e atinge como um soco forte no
estômago.
Nota: 5 de 5
Ttitulo original: All Quiet on the Western Front
Lançamento: 1930 (EUA)
Direção: Lewis Milestone
Atores: Lew Ayres, Louis Wolheim, John Wray, Ben Alexander e Arnold Lucy
Duração: 131 min
Gênero: Guerra
Esse é provavelmente o melhor filme de Peter Jackson, sua obra-prima.
Superior até mesmo à sua trilogia O Senhor dos Anéis (2001 a 2003).
Narra a verdadeira história de uma amizade que culminou em um dos crimes
mais chocantes da Nova Zelândia.
O ano é 1953, na cidade de Christchurch, duas adolescentes se tornam
amigas em um colégio, e dali nasce uma amizade muito profunda. As jovens
fechadas entre si, vão criando um laço de união, no que culmina em uma
intensa devoção entre ambas, a ponto de causar espanto e preocupação aos
seus familiares. Juliet Hulme (Kate Winslet, em seu primeiro filme e
três antes de se tornar famosa por Titanic) é uma adolescente de família
de classe alta, angustiada pela turbulência da péssima união de seus
pais; ela se sente insegura, oprimida por desejos trancados dentro de
si, e com uma rebeldia incontrolável; ela então conhece sua nova colega
de classe Pauline Parker, (Melanie Lynskey, a irmã de Drew Barrymore em
Para Sempre Cinderela) uma jovem de família pobre, tímida, de poucos
amigos. O que poderia ter sido uma história de uma grande amizade sadia, se
torna uma terrível obsessão, no qual as duas jovens renegam o mundo real
em prol de um mundo imaginário onde há borboletas gigantes,
bonecos que ganham vida (até o cantor lírico Mario Lanza aparece como um
deles). Suas imaginações tornam tudo muito surrealista, uma fuga da
realidade, uma vez que essas duas adolescentes já não se importam mais
com o mundo real. Essa amizade vai ganhando conotações homossexuais,
fugindo do controle da razão e tornando-se algo fora dos padrões éticos
em uma década onde o moralismo era objeto de honra para toda uma
sociedade.
Pauline e Juilet juntas, mesmo com suas fraquezas, se mostram inteligentes, criativas, talentosas e determinadas. E determinação é o que move suas vidas, o que não as deixa se separar
uma da outra. Quando elas vêem sua amizade ameaçada, planejam algo
macabro que resulta no crime que abalou o país. O final é um grito de
desespero, amargura, revolta e separação
O diretor Peter Jackson vinha de filmes trash, produções baratas. Então, em 1994
decide filmar um roteiro seu, feito juntamente com sua mulher Fran Walsh,
sobre duas adolescentes que se tornam amigas e assassinas. Depois viria
Os Espíritos em 1996, cinco anos antes dele fazer a trilogia O Senhor
dos Anéis que seria um megassucesso e lhe renderia ótimas críticas. Em
2005 leva às telas a refilmagem de seu filme preferido: King Kong, um
clássico em preto e branco de 1933 (Não aquele de 1976 com Jeff Bridges e
Jéssica Lange). Em 2009, Jackson acerta como produtor num ótimo filme
sobre alienígenas chamado Distrito 9, mas não agrada como diretor com Um
Olhar do Paraíso, filme em que uma menina depois de assassinada narra
as reações da família, amigos e do próprio assassino na terra. Esse
filme é baseado no livro “Uma vida interrompida: Memórias de um Anjo
Assassinado" (The Lovely Bones) escrito por Alice Sebold. Infelizmente é
um filme que nem de longe se compara ao talentoso Almas Gêmeas.
Falta-lhe a sagacidade, a emotividade e as metáforas que fazem de Almas
gêmeas um filme inesquecível.
Jackson sabia que, ao fazer um filme que misturasse realidade com um
mundo fantástico cheio de cenários irreais e elementos fantasiosos,
precisaria de uma boa empresa de efeitos especiais, mas o orçamento para
esse filme era pouco, então só lhe restava inventar seus próprios
efeitos, então ele criou a Weta Digital. Pra se ter idéia da dimensão
dessa empresa que surgiu como algo de fundo de quintal, a Weta não só
fez os efeitos especiais dos filmes de Jackson já citados, como também
de grandes sucessos como Eu, Robô, X-Men – O Confronto Final, Quarteto
Fantástico e o Surfista Prateado e chegando ao maior de todos os efeitos
já vistos nas telas: Avatar.
Todos os lugares do filme são os lugares reais onde aconteceram os
fatos. As atrizes protagonistas estão excelentes. Kate que foi eleita a
atriz do ano, ficou de fora das indicações ao Oscar. O filme só foi
indicado como melhor roteiro original, mas ganhou o Leão de Prata no
Festival de Veneza e outros prêmios mundo afora.
Não confundir com outro filme de mesmo nome, feito em 2006; é só ficar
atento ao ano de produção (1994) e o título original Heavenly Creatures
(Criaturas Celestes).
Almas Gêmeas é singular, forte, contundente e genial. Se você gosta de
cinema ou de uma ótima história e ainda não assistiu a esse filme, não
sabe o que está perdendo.
Nota: 5 de 5
Ttitulo original: Heavenly Creatures
Lançamento: 1994 (Nova Zelândia, Reino Unido)
Direção: Peter Jackson
Atores: Kate Winslet, Melanie Lynskey, Sarah Peirse, Clive Merrison, Diana Kent, Simon O'Connor
Duração: 99 min
Gênero: Drama, Romance, Suspense
Homem tem sua mulher brutalmente assassinada e sai à procura do
assassino, sem descansar até que faça justiça com as próprias mãos.
Simples, não é? Um tema pra lá de batido. Quem afinal nunca assistiu a
um filme com um enredo desse? Mas Amnésia se diferencia de todos os
filmes. Ele antes de tudo, é bastante original e complexo. E é aí que reside a força desse filme dirigido por Christopher
Nolan, dos ótimos Batman – O Cavaleiro das Trevas e A Origem.
É complicado falar de Amnésia sem acabar estragando as várias surpresas que ele traz.
Amnésia é um filme já diferente desde seus minutos iniciais, quando o
personagem principal Leonard shelby (Guy Pearce de Los Angeles – Cidade
Proibida) tem sua vida mudada quando certa noite alguém entra em sua
residência e mata sua esposa; durante uma luta contra o agressor, ele é
golpeado e fica no chão enquanto o bandido foge.
Depois se descobre que ele ficou com um tipo de amnésia no qual esquece
tudo que se passa depois de cinco minutos. Ele só sabe que precisa se
vingar, e tatua em seu corpo as informações que precisa para poder ir
além em sua vingança. Durante sua trajetória, ele encontra uma mulher misteriosa
(Carrie-Anne Moss, a Trinity de Matrix) e um homem que se diz policial
(Joe Pantoliano, também de Matrix).
Sua história é contada de trás pra frente, ou seja, o que vemos na
primeira cena na verdade é o final, e o que vemos no final, na verdade é o
começo. Parece difícil de seguir, mas não é, mas isso não quer dizer
que o você vá entender de cara o enigma da história. Tem pessoas que
assistem várias vezes e não assimila muita coisa, mas há quem assista e
entende de primeira. Entendê-lo ou não depende de cada um. Pra quem não tem
experiência com filmes legendados, é recomendado que se assista dublado
mesmo (ainda que logicamente na linguagem original é muito melhor), pra assim não se perder na trama que é aparentemente confusa, mas
que no fundo faz o maior sentido. Não é desses filmes que tentam ser
complexos e enganam o espectador. Esse aqui de fato segue uma linha de
raciocínio lógico. Há nele também uma subtrama em que Leonard antes da
tragédia, investigava um homem que poderia estar fingindo perder a
memória pra se dar bem com um seguro. Intercalando cenas coloridas em
que Leonard busca pelo assassino e cenas em preto e branco em que ele
investiga o caso do suposto golpista, culminando num final surpreendente
de deixar qualquer um de queixo caído. O filme nos prega peças em
vários sentidos, troca imagens que só vemos numa questão de segundos,
nos leva a ter várias interpretações. Seria esse homem investigado por
Leonard, o próprio Leonard?
Entre as várias cenas antológicas, uma delas brinca com o telespectador, quando Leonard persegue um homem, mas logo ele se dá conta que há algo errado.
As pessoas se aproveitam de sua situação, como o homem da recepção, que o troca sempre de quarto dizendo que ele não se lembraria mesmo em qual
quarto esteve no dia anterior. Leonard sempre abre a porta do hotel pra
dentro, quando na verdade a porta abre por fora. O policial brinca com
ele dizendo que pode contar sempre a mesma piada.
O filme do início ao fim é uma sucessão de surpresas que vão dando um
novo sentido à história. É incrível como ele nunca se perde nem se torna
cansativo ou chato, muito pelo contrário. Quando termina queremos ver
novamente. A cada vez que eu assisto vou descobrindo novos detalhes que
me haviam passado despercebidos das primeiras vezes.
Se Leonard não se lembra de nada que se passou até cinco minutos atrás,
isso significa que ele já pode ter pegado o assassino de sua mulher e
não se lembrar disso. Sua luta incessante por vingança pode ou não ser
algo que agora faça algum sentido.
O elenco é perfeito. Guy Pearce nos passa todo o conflito de um homem
atormentado, Carrie-Anne Moss faz de forma natural a garçonete que tenta
lhe ajudar, Joe Pantoliano está ótimo como sempre como o policial que
pode ou não estar tentando se aproveitar de Leonard. Não menos perfeita é
a direção do sempre ótimo Christopher Nolan, que, juntamente
com seu irmão Jonathan Nolan, escreveu o brilhante roteiro. Nolan é
diretor do melhor filme de super-heróis do cinema: Batman – O Cavaleiro
das Trevas (filme do qual o Coringa é interpretado de maneira magistral
por Heath Ledger). Dirigiu também Insônia (filme tenso com Al Pacino e
Robin Williams), Batman Begins (com Christian Bale e Liam Neeson, entre
outros) e O Grande Truque (com Hugh Jackman e novamente Bale).
Amnésia já virou caso de estudo entre historiadores,
profissionais da área de cinema, e outros interessados. Sua história
bastante original fascina e faz refletir sobre a necessidade do ser
humano em fazer justiça, mesmo que ele não entenda o porquê disso.
Amnésia concorreu aos Oscars de montagem e roteiro, perdeu esse último
absurdamente para o filme Assassinato em Oxford Park, de Robert Altman.
Amnésia é meu filme preferido da última década e também um dos melhores roteiros
já feitos, em minha opinião. Uma obra excepcional, um exemplo
notável de como criar uma história perfeita e original.
Nota: 5 de 5
titulo original: Memento
lançamento: 2001 (EUA)
direção: Christopher nolan
Atores: Guy Pearce, Carrie-Anne Mos, Joe Pantoliano, Mark Boone Junior, Stephen Tobolowsky
duração: 113 min
gênero: Drama, suspense
Há um pouco mais de 30 anos, um canadense chamado
James Cameron fez o filme Piranha II – Assassinas Voadoras
(1978), sequência de Piranha (1978, dirigido por Joe Dante), um filme
que obviamente visava buscar parte do sucesso alcançado por Steven
Spielberg e o seu Tubarão (1975). Piranha II é um filme que, de tão
tosco e ridículo (anfíbios que voam!) acaba sendo engraçado. Outros
diretores teriam continuado a seguir essa carreira trash, mas James
Cameron não era qualquer diretor, e provou isso com seu primeiro
sucesso, em 1984 com O Exterminador do Futuro, filme que elevou Arnold
Schwarzenegger a astro do cinema. Em 1986, Cameron dirige Aliens – O
Resgate (sequência de Alien – O Oitavo Passageiro de 1979, feito por
Ridley Scott). A carreira de Cameron começava a tomar novos rumos, o
qual o levou a fazer filmes tecnicamente inovadores como O Segredo do
Abismo (1989), O Exterminador do Futuro 2 (1991), True Lies (1994) e
finalmente se superar com Titanic (1997, até então o filme mais caro e
mais rentável do mundo). Mas “superar” é mesmo uma palavra que define
bem James Cameron, e doze anos depois ele chega com o filme que
revolucionou a arte dos efeitos visuais no cinema moderno: Avatar.
Até onde
me lembro, Cameron tinha esse projeto na cabeça desde 1995, mas os
efeitos visuais que ele pretendia utilizar ainda não haviam surgido,
segundo ele. Mesmo que, em 1993 Steven Spielberg tenha deixado todo mundo
boquiaberto com os fantásticos efeitos digitais de Jurassic Park. De
2001 a 2003, o neozelandês Peter Jackson e sua empresa de efeitos
visuais: a Weta Digital, daria vida aos personagens criados pelo
escritor J. R. R. Tolkien na saga O Senhor dos Anéis. A trilogia feita por
Jackson conseguiu criar personagens e cenários altamente convincentes e
chamar a atenção de Cameron. O diretor de Titanic se deu conta de que
havia chegado a hora de dar prosseguimento ao seu antigo sonho, que era
fazer Avatar.
Cameron sempre foi visto pelos atores e técnicos como
um diretor megalomaníaco e perfeccionista, e isso é visível em seus
filmes. Em Avatar, ele criou um planeta onde quase tudo que vimos ali é
fruto de efeitos digitais; tirando os atores de verdade e algumas coisas
básicas como cadeiras e mesas, todo o resto foi feito por computação
gráfica (ou CGI como é mais conhecido no meio técnico). É impressionante
como aqueles personagens de três metros de altura parecem de fato
existir. A interatividade dos atores reais com aquele mundo é perfeita,
algo como nunca foi visto com tamanha perfeição em toda a história do
cinema.
Pra quem ainda não assistiu a Avatar, aqui vai um pouco do
enredo: No futuro, cientistas e fuzileiros norte-americanos exploram um
planeta chamado Pandora. Esses cientistas criam os avatares (corpos
movidos pela mente de pessoas pra interagirem com os habitantes do
planeta, os Na'vi, seres humanóides azuladas de três metros de altura).
Um dos fuzileiros (Sam Worthington de O Exterminador do Futuro 4 e Fúria de Titãs) percebe que seus aliados estão com planos de
exploração em massa a todo custo contra aquele povo e resolve mudar de
lado e ajudá-los. Ele se envolve com uma guerreira (Zoe Saldana de Star
Trek) filha do chefe da tribo, e inicia uma guerra (muito violenta, por
sinal) contra os fuzileiros.
Ao invés da maioria dos filmes que
mostram alienígenas invadindo a Terra e destruindo tudo, Cameron aqui
faz o contrário: Os humanos que invadem outro planeta e tentam
destruí-lo. A guerra final dos humanos contra os Na’vi é simplesmente
fantástica.
Mas nem tudo é perfeito em Avatar. Sua história lembra
outros filmes como Dança com Lobos (um homem abandona sua civilização e
luta ao lado de um povo diferente) e Matrix (Transferência de mentes),
entre outros. O problema não é Avatar se parecer com dezenas de outros
filmes, mas se tornar um filme clichê em sua grande parte. O roteiro de
Cameron não é bem aprofundado e nem sempre consegue sair do
convencional. Mas nem por isso é um roteiro ruim. Consegue prender a
atenção do início ao fim.
Cameron se sai muito bem no que ele sabe
fazer melhor: interagir pessoas de verdade a cenários irreais e tornar
tudo muito convincente. As plantas e vegetações são fantásticas, numa recriação espantosa de um planeta diferente, que é de encher os olhos. Todo
aquele processo deve ter com certeza dado um grande trabalho para os técnicos.
Além da empresa Weta Digital (criada por Peter Jackson, e responsável pela maior parte dos efeitos visuais do filme), entraram além de outras, duas das maiores
autoridades em efeitos visuais do mundo: A Industrial Light & Magic
(responsável pela concepção e movimento das naves e transportes) e a Digital Domain (empesa do próprio Cameron,
responsável por alguns retoques, efeitos de transição, etc...).
No
elenco de apoio estão nomes como Sigourney Weaver (Que já havia feito com Cameron
Aliens – O Resgate), Giovanni Ribisi (O Resgate do Soldado Ryan),
Michelle Rodriguez (Velozes e Furiosos) e Stephen Lang (Inimigos
Públicos) este o vilão.
Avatar se tornou a maior bilheteria da
história, superando Titanic, ou seja, James Cameron superou seu próprio
recorde, e hoje detém os dois filmes de maior sucesso do cinema. Venceu
os Oscars de: Efeitos visuais, direção de arte e fotografia, e ganhou
também os Globos de Ouro de melhor filme e direção.
Se não é uma
revolução em termos de narrativa e tem uma história já vista em outros
filmes, é um épico que vale ser visto antes de tudo pelos seus
excelentes efeitos visuais inovadores. Então, quem está em busca de um
filme que não faça pensar muito e quer uma diversão de primeira, Avatar é
uma ótima recomendação.
Nota: 4 de 5
titulo original: Avatar
lançamento: 2009 (EUA)
direção: James Cameron
Atores: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Stepehen Lang, Michelle Rodriguez, Giovanni Ribisi
duração: 162 min
gênero: Ficção Científica, Ação
Eleito o melhor filme de todos os tempos
pela crítica mundial, em especial pelo American Film Institute, Cidadão
Kane é um dos maiores clássicos da história do cinema. Um filme
absolutamente genial, diferente de tudo que já se viu. E olha que já se
passaram mais de 70 anos que ele foi lançado. Continua muito atual e
original. Seu diretor Orson Welles que na época tinha apenas 26 anos de
idade, foi considerado um gênio por ter dirigido, produzido, roteirizado
e estrelado essa obra revolucionária.
Eram tempos de guerra, o mundo vivia um colapso, mas Hollywood não
parou (Durante os seis anos que durou a Segunda Guerra Mundial, foram produzidos alguns dos
melhores filmes da história, como por exemplo: ...E o Vento Levou,
Casablanca, Pacto de Sangue, O Falcão Maltês e Cidadão Kane, entre
muitos outros), e com isso, suas produções eram ousadas e muitas delas a
frente de seu tempo, como essa obra máxima de Welles que conta a
fictícia história de Charles Foster Kane, que de menino pobre, se torna
um milionário e manipulador magnata da imprensa jornalística. O filme já
começa com Kane morrendo, pouco depois de dizer sua última palavra:
ROSEBUD. Um jornalista decide procurar pessoas relacionadas ao passado
de Kane, a fim de descobrir o que significa tal palavra. Seria uma
mulher? Uma loja? Uma cidade? Aos poucos, amigos, amantes,
ex-funcionários e ex-esposas do magnata vão descrevendo quem era aquele
homem que se tornou tão poderoso a ponto de interferir e mudar suas
vidas.
No começo, depois de sua morte, o filme conta a história de Kane ainda criança,
sendo entregue pelos pais pra ser criado por um milionário. Já adulto,
ele vai gerenciar o jornal e chama seus amigos para ajudá-lo. Ganhando
muito dinheiro, se torna um influenciável homem que se perde em suas
próprias ambições. Não consegue manter o equilíbrio com a esposa, se
deixa levar por amantes e vai perdendo as pessoas à sua volta. Ou será
que as pessoas à sua volta no fundo não se importavam com ele?
Vemos
com o passar do tempo, que Kane vive mergulhado numa solidão que o
acompanha desde sua infância. Ele vive sempre reclamando, questionando,
não se contenta com quase nada, mas ao mesmo tempo procura agradar
sempre a mulher que ele diz ter amado. Kane não consegue disfarçar a
frustração de sua vida, seus anseios não condizem com sua realidade de
homem influente. Ele parece sempre querer gritar algo que está dentro
dele, mas as pessoas não parecem querer ouvir. Num dialogo sobre a
riqueza com o homem que o adotou, ele diz: “A mim só interessava as
colherzinhas de prata”. Deixando subentender que nada daquela grandeza o
preenchia.
Welles se inspirou (mesmo que negasse) na vida do
magnata da imprensa William Randolph Hearst, para fazer o seu Cidadão
Kane. Welles via na história desse homem, um riquíssimo material para
começar a sua carreira cinematográfica. Mas Welles mal sabia que pagaria
um preço muito alto por isso. Hearst quando soube do filme (ainda em
fase de produção) tentou a todo custo impedir a sua estreia; não
conseguindo, manipulou tudo e todos a sua volta para destruir o filme em
sua divulgação. O magnata usou de seu grande poder nas comunicações pra acabar
com Welles, tendo se irritado ainda mais por ter visto sua amante (a
atriz Marion Davies) sendo retratada nas telas (no filme é uma cantora).
Depois desse filme, Welles perdeu a confiança dos produtores (tudo por
influência de Hearst) e só conseguiria terminar seus filmes seguintes através de
muitos esforços seu e de seus amigos. Alguns desses filmes eram feitos
fora dos EUA. Welles aceitava participações secundárias em alguns
filmes pra conseguir dinheiro pra suas próprias produções. A participação
mais marcante em um filme que fora dirigido por ele fora em O Terceiro Homem, um
ótimo filme de 1949 dirigido por Carol Reed (Oscar de direção por
Oliver! De 1968) e protagonizado pelo amigo Joseph Cotten que está em Cidadão Kane e no filme posterior de Welles: o ótimo Soberba (do ano
seguinte).
Tudo em Cidadão Kane é revolucionário: roteiro brilhante,
com uma estrutura narrativa fragmentada, os movimentos de câmera com
closes e elementos em segundo plano, criando um jogo de perspectiva formidável; os tetos pela primeira vez eram
mostrados com mais destaque em um filme, o som capturava até o barulho das gotas da chuva;
a excelente atuação de Welles, passando de jovem a idoso com uma
naturalidade incrível. Tudo muito fantástico, um espetáculo de primeira
linha. Mas engana-se quem pensa que a genialidade de Welles é fruto de
um só filme. Em suas obras posteriores como Sobeba, Macbeth e A Marca da
Maldade, ele imprime uma originalidade extraordinária. Suas
participações em filmes de outros diretores também são marcantes, como
em Moby Dick (1956, de John Huston) e O Homem Que Não Vendeu Sua Alma
(1966, de Fred Zinnemann).
Há um documentário feito pela rede de TV
PBS, chamado A Batalha por Cidadão Kane no qual é relatado o conflito
entre Welles e o magnata Hearst. É um documentário revelador e muito
importante pra quem quiser saber mais sobre um dos momentos mais famosos
e contundentes da história do cinema envolvendo um de seus maiores
gênios. Curiosamente, foi feito também um documentário chamado Muito
Além do Cidadão Kane, feito curiosamente por uma rede de TV britânica, que fala sobre a Rede Globo e seu poder de manipulação,
onde seu fundador Roberto Marinho é comparado à Charles Forster Kane
(manipulador da opinião pública, repararam a semelhança?).
Cidadão Kane
concorreu a 10 Oscars, mas só ganhou o prêmio de roteiro original
(Welles em parceria com Herman J. Mankiewicz, irmão de Joseph
Mankiewicz, o diretor de A Malvada e Cleópatra, entre outros), perdendo
melhor filme e direção para Como Era Verde Meu Vale (um bom filme de John
Ford, mas que evidentemente é inferior à obra de Welles). Dizem que
isso foi por influência de Hearst. Mas uma coisa nós sabemos: William
Randolph Hearst só é lembrado hoje por algumas pessoas em sua
localidade, mas Orson Welles entrou pra história do cinema como um dos
maiores gênios de todos os tempos.
O final é um dos mais surpreendentes e reflexivos da história, onde é revelado o segredo da palavra ROSEBUD.
Nota: 5 de 5
titulo original: Citizen Kane
lançamento: 1941 (EUA)
direção: Orson Welles
Atores: Orson Welles, Joseph Cotten, Dorothy Comingore, Agnes Moorehead, Ruth Warrick, Ray Collins
duração: 119 min
gênero: Drama
O amor é feito de ocasiões? É possível
um homem gostar de duas mulheres ao mesmo tempo? Por que damos mais
valor ao que é proibido? Essas são algumas das perguntas que o
protagonista de Amantes certamente teria pra fazer. Leonard
Kraditor é um homem de mais de trinta anos, que mora no apartamento dos pais e trabalha
para eles em uma lavanderia. Leonard carrega em si um trauma do passado,
um relacionamento amoroso que não deu certo que o faz se sentir amargurado. Ao se jogar de uma
ponte no início do filme, ele é salvo e volta pra casa. Um casal, amigos de seus pais, vai a sua casa e lhes apresenta sua
filha, no intuito de formar ali um relacionamento arranjado entre ele e
a jovem. Começa um namoro que poderá melhorar bastante a vida de
Leonard: a moça gosta muito dele, os pais dela apoiam, juntamente com
seus pais também. O que poderia dar errado? Resposta: A nova vizinha do
prédio, uma moça meiga e comunicativa, que logo fisga o coração de
Leonard, fazendo com que ele se apaixone de imediato por ela. Mas eis que
sua nova paixão não é uma mulher desimpedida, mas namora um homem que
ainda por cima é casado.
Começa aí um triângulo amoroso que poderá
trazer consequências dolorosas pra Leonard. Sua namorada (Vinessa Shaw
de Os Indomáveis) gosta dele, e ele gosta da vizinha (Gwyneth Paltrow de
Shakespeare Apaixonado). Pode parecer uma história batida, afinal
quanto filmes já não vimos sobre triângulos amorosos. Mas esse aqui tem
uma diferença, ele não carrega tanto na história de amor, mas sim no
drama de um homem que só quer amar e ser amado.
O protagonista,
feito pelo ótimo ator Joaquin Phoenix (Gladiador e Ela) é um homem amargurado e
ao mesmo tempo disposto a mudar isso em sua vida, como fica claro na
cena em que ele sai com a vizinha e suas amigas. É muito triste a cena
em que Leonard conversa com seu futuro sogro no escritório, e ficamos sabendo
das reais intenções dele. O filme nos mostra que um triângulo amoroso
pode trazer graves consequências para todos os envolvidos.
Dirigido com
habilidade por James Gray, um diretor especialista em dramas policiais
como Os Donos da Noite (também com Phoenix), Amantes é um filme "frio" em seus contornos e conflitos, cheio de
nuances realistas; difícil não se identificar com essa história que
poderia estar acontecendo conosco, com um amigo ou com o vizinho do
lado.
Mas não seria o filme que é se não fosse a força de seu
elenco, em particular Phoenix, que aparece praticamente em todas as
cenas. Ele é um ator completo, compõe um personagem difícil e se sai
muito bem.
O final, de um impacto formidável, nos mostra que o amor
pode ser algo feito de momento, ocasional, e de certa forma até mesmo oportunista. Depois que terminamos de
assistir, ficamos com a sensação de que algo mudou em nossa concepção em
relação ao amor.
Um dos melhores filmes lançados em 2008.
Nota: 5 de 5
titulo original: Two Lovers
lançamento: 2008 (EUA)
direção: James Gray
Atores: Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw, Isabella Rossellini, Elias Koteas, Moni Moshonov
duração: 110 min
gênero: Drama
Já foram feitos inúmeros filmes sobre a
vida de Cristo, desde obras que desrespeitam sua história: A Última
Tentação de Cristo dirigido por Martin Scorsese em 1988 e Jesus, um
péssimo telefilme de 1999, até obras abrangentes: O Rei dos Reis,
dirigido por Nicholas Ray em 1961, A Maior História de Todos os Tempos,
dirigido por George Stevens em 1965 e Jesus de Nazaré (o maior de todos
em duração, cerca de 5 horas), realizado por Franco Zeffirelli em 1977 e
preferido pela comunidade cristã em muitos países. Até mesmo um ateu já
dirigiu um filme sobre a vida de Cristo, foi o italiano assumidamente
homossexual Píer Paolo Pasolini e o seu O Evangelho Segundo São Mateus
em 1964. Porém, a obra de Pasolini ao contrário do que se esperava de um
diretor polêmico como ele, não desagradou, muito pelo contrário, foi
vista como um dos melhores filmes sobre o tema já realizados.
Em
2004, o ator e diretor americano (não australiano como muitos pensam)
Mel Gibson realizou o mais polêmico de todos, o violento A Paixão de
Cristo. Gibson é católico fervoroso, e pretendeu mostrar nas telas o que
segundo ele são “As últimas 12 horas da vida de Cristo”. Cristo é
preso, negado por Pedro, julgado e condenado à morrer na cruz
(assassinos e malfeitores eram mortos na cruz na era do Império romano).
Gibson pretendeu mostrar que o único homem perfeito da face da terra
sofreu torturas como ninguém antes de ser pregado numa cruz e morrer, em
conseqüência de acusações de coisas que ele nunca foi ou fez em toda a
sua vida. O filme tem flashbacks que mostram passagens como a
infância de Cristo, sua mocidade, o Sermão da Montanha, a convivência
com a sua mãe e o encontro com os discípulos, num paralelo com as cenas
do sofrimento. Ali por perto está Judas, atormentado por estranhas
figuras que o perseguem (aqui serve como uma metáfora da culpa da
traição) e que ocasionalmente o levam a cometer suicídio.
As cenas
do sofrimento de Cristo e toda sua peregrinação com a cruz nas costas
até chegar ao Calvário são o ponto alto do filme, porém, também é o que
há de mais discutível. Ponto alto por que Gibson mostra cenas chocantes
de violência que fazem filmes sangrentos por aí parecerem comédias. Ele
filma tudo como se realmente aquilo de fato estivesse acontecendo no
momento em que assistimos. São cenas fortes, de grande impacto, que
causam a comoção de quem as vê. Agora vou dizer por que são discutíveis,
fazendo algumas perguntas que o filme não responde: Por que Cristo
sofreu tanto ali? Por que há tantas revoltas entre aquele povo? Por que
os discípulos e pessoas que ali estão sofrem tanto com as dores de Jesus
naquele momento, inclusive Maria Madalena? Às vezes temos a impressão
que estamos assistindo a apenas uma parte final de um filme, como se a
obra tivesse três partes por exemplo, e estivéssemos assistindo somente a última. Por isso é discutível, por que se perde muito tempo com cenas
violentas (alguns dirão que são cenas necessárias, porém seria de maior
importância mostrar por que Cristo sofreu tanto, o que levou a tudo
isso, quais os motivos que o levaram a ser alvo do ódio daqueles judeus.
Alguns dizem que Pôncio Pilatos foi “humanizado” demais por ser
romano, uma referência à igreja católica apostólica romana. Satanás é
mostrado na figura de uma mulher que às vezes se metamorfoseia em uma
cobra (o que Gibson pretendia mostrar com isso não se sabe). Porém, o
que muitos também não sabem é que Gibson se baseou nos relatos da freira
alemã Anne Catherine Emmerich (1774-1824), que segundo ela escreve em
seu livro, teria tido algumas visões sobre os últimos momentos de Cristo
a caminho da crucificação. Estudiosos apontam uma série de passagens no
filme que não constam nas Escrituras. Mas como é sobre cinema (onde é
comum se romancear os fatos) que estamos falando, não cabe aqui
mencioná-los.
Mas uma coisa é certa: nos dias de hoje onde impera a
falta de vontade de se conhecer melhor sobre Cristo, era de fortíssima
importância que um filme desse porte mostrasse com mais ênfase e não em
flashbacks a vida do maior homem da história da humanidade. Seus
ensinamentos, sua vida purificada sem pecado, suas parábolas, seu real
motivo de mostrar aos homens que o pecado só leva a um caminho: a morte
eterna. Isso, a produção milionária de Mel Gibson não mostrou e deixa a
impressão que é uma produção com propósitos maiores de emocionar e assim
levar mais pessoas aos cinemas. Aliás conseguiu, rendendo mais de 600 milhões de dólares em bilheteria.
Mel Gibson foi acusado de
ser antissemita, e causaria uma forte onda de problemas que, ligados a isso, quase arruinaria sua carreira. Ele começou fazendo filmes na
Austrália, ficando famoso com as séries cinematográficas Mad Max e
Máquina Mortífera. Seu primeiro trabalho na direção foi em 1993 com O
Homem sem Face. Ganhou os Oscar de filme e direção por Coração Valente,
de 1995. Seu filme seguinte a A Paixão de Cristo é Apocalypto,
em que uma tribo da civilização Maia de séculos atrás é invadida, muitos
deles são massacrados e outros mantidos prisioneiros; um dos
sobreviventes tenta a todo custo escapar pra tentar salvar a vida de sua
esposa e filho. Esse filme tem duas características que Gibson utilizou
em A Paixão de Cristo: A extrema violência e a língua original do povo
retratado, enquanto em sua aventura dos povos Maias, ele usa a linguagem
original, Em A Paixão de Cristo são usadas as verdadeiras linguagens da
época: aramaico, latim e hebraico. Portanto, nada de dublagens, nem
mesmo no DVD ou Blu-ray.
Felizmente Gibson acerta na cena chave, justamente no
final quando ele mostra a ressurreição, de forma bastante cuidadosa e
emocionante.
Como cinema é um filme extremamente bem feito, com
ótima reconstituição de época e atores cumprindo bem suas funções. O
americano Jim (ou James) Caviezel interpreta o Messias, Maria Madalena é
feita pela italiana Mônica Bellucci. O restante do elenco são de nomes
pouco conhecidos. Teve três indicações ao Oscar: fotografia,
trilha sonora e maquiagem.
Nota: 3 de 5
titulo original: The Passion of the Christ
lançamento: 2004 (EUA)
direção: Mel Gibson
Atores: James Caviezel, Maia Morgenstern, Monica Bellucci, Hristo Jivkov, Hristo Shopov
duração: 126 min
gênero: Drama
